Electro… libre (et quelques suppléments)

"L’Oiseau", dédié à son fils Victor, comprend deux longues pièces assez fascinantes. Le titre éponyme se présente comme une vaste fresque laissant percevoir un véritable univers sonore, une composition plutôt “concrète“ sans le recours aux bruitages souvent inclus dans les musiques électroacoustiques. La seconde pièce, La Vie s’arrête, évolue dans un espace voisin : un immense paysage sonore avec une forte amplitude où s’inscrivent des évocations de "nature".

"Nopal", un duo avec le guitariste Simon Hénocq, se présente également en deux parties. La première, Fleur, est une longue progression, une musique très dense sur un rythme sous-tendu qui s’arrête sur un silence. Relancé par quelques notes de guitare, la pièce reprend du corps tandis que s’installe une nappe sonore de plus en plus présente, et accompagne ensuite un puissant solo de guitare avant que l’image devienne floue et s’efface. La seconde, Fruit, est son pendant plus "concret", avec une guitare très présente, tant au-dessus qu’en dedans l’espace sonore.

Dans "Ça barbare, là !", Jean-Marc Foussat rencontre Ramón López, musicien acoustique s’il en est. On joue donc sur l’opposition entre les sons électroniques (et la voix) et les sons bruts. D’où les contrastes, les penchants vers les "musiques improvisées" (sic), les va-et-vient, les prises de paroles… Un duo constamment surprenant servi par un mixage remarquable.

On tire encore un peu plus vers le "jazz" dans "Quod" où Foussat, entre les saxophonistes Sylvain Guérineau, ténor, et Joe McPhee, soprano, se montre beaucoup plus discret, mais toujours aussi pertinent, réactif et à l’écoute de ses partenaires. Le ténor est puissant, enraciné, le soprano plus volubile. Très différente, la seconde pièce offre beaucoup plus de champ, d’espace, tandis que se glisse au milieu une improvisation mélodique de McPhee. Puis s’installe un rythme puissant, insistant, martelé par le ténor, avant que les stridences du synthétiseur annoncent un déferlement, un bombardement final qui laisserait, in fine, la place au calme (Cf. Culturejazz - Pile de disques, mars 2014).

Sans rapport avec ce qui précède, le cinquième disque de ce joli nouveau label, Fou Records, est une série de poèmes de Federico Garcia Lorca merveilleusement dits par Violetta Ferrer superbement accompagnée par Raymond Boni — ils en avaient déjà enregistré ensemble il y a plus de 30 ans !

En guise d’entracte, accordez-vous 18 minutes en compagnie de Julien Desprez et sa electric guitar only : un solo noise, totalement bruitiste assez époustouflant. Quelques phrasés rythmiques permettent à l’auditeur de se rendre compte qu’il s’agit vraiment d’une guitare ! Impressionnant.

Pas mal d’électronique également (mais pas que) avec ces "Bribes" que nous proposent, toujours sur le très excitant label Coax, Romain Clerc-Renaud (piano et claviers) et Geoffroy Gesser (saxo-ténor). Un disque tonifiant où "des éclats puissants de free jazz se combinent à des atmosphères éthérées".

Le jazz et le cinéma : deux passions qu’ont su conjuguer depuis longtemps les gens de l’Arfi. La nouvelle génération qui a intégré, pour le meilleur, ce collectif légendaire, n’est pas en reste et partage ce goût de créer des bandes sonores musicales sur des films muets. "Le Bonheur", un film d’Alexandre Medvedkine datant de 1934 (et encore muet !), a suscité « une première rencontre entre le vocaliste-saxophoniste-poète britannique Ted Milton et Les Bampots, mini fanfare crypto-grunge composée de musiciens de l’Arfi » (Gérard Rouy). Il en résulte beaucoup plus qu’une illustration musicale en dix séquences, mais une véritable œuvre musicale contemporaine qui s’écoute sans le film. On y perçoit le sens de l’espace, les sons naturels, les bruits, les fonds, des sonorités étonnantes et très inventives. Une très belle réalisation.

Plus ambitieux est le projet de composer une musique pour "Metropolis", le chef-d’œuvre bien connu de Fritz Lang (1927) qui a déjà connu quelques musiques diverses. Ici, le duo Actuel Remix (Xavier Garcia et Guy Villerd, experts reconnus depuis longtemps dans ces univers sonores) a choisi délibérément le domaine électroacoustique (et la voix) et, uniquement en travaillant avec des laptops [1], a entrepris de mixer des musiques de Richie Hawtin, « figure majeure de la scène techno » et de Iannis Xenakis. Leur sens de l’espace, la résonance, la profondeur, le côté "matérialiste" et la dimension orchestrale prodigieuse, rendent compte parfaitement de l’angoisse, de l’étrangeté, de l’anxiété, de la violence du film. Les séquences sont souvent menées sur un rythme obsédant et répétitif, et l’ensemble possède, à travers une large palette sonore, une incroyable richesse et une étonnante unité — notons qu’il y a deux heures et quart de musique ! Cette fois, on voudrait voir le film avec cette bande sonore (ce qui est possible en projection publique).

L’image, nous l’avons avec le DVD "Koko le Clown", choix de sept merveilleux dessins animés plein de trouvailles des frères Fleicher réalisés au début des années 20 (avant qu’ils ne créent Popeye et Betty Boop). S’il a conservé son laptop, Guy Villerd a repris son saxophone et a retrouvé la contrebasse de son vieil ami Jean Bolcato (grand cinéphile). La musique, à la fois travaillée et improvisée, suit les mouvements et les courses de Koko, l’accompagne dans ses chutes, le pousse dans ses grimpettes, avec une joie et une liberté qui font plaisir ; on sent que les deux musiciens se sont beaucoup amusés. Ici, avec l’apport de quelques thèmes de Don Cherry, Anthony Braxton, Sun Ra, ou le vieux Nature Boy, l’atmosphère est beaucoup plus jazz, rythmée, swinguante (comme les dessins), improvisée, souvent aussi dépouillée que le trait, et montre, s’il le fallait, que l’acoustique et l’électronique, non seulement ne s’opposent pas, mais font bon ménage et s’enrichissent entre les mains de tels musiciens. Notons que Villerd et Bolcato jouent en direct pendant les projections.

Enfin, un dernier exemple de combinaison entre les univers acoustique et électronique nous est proposé par le duo "O.I.L.", Noah Rosen au piano et Alan Silva, qui a troqué sa contrebasse pour un synthétiseur orchestral. Ici, tout semble plus simple : un piano lyrique, du rythme, et un synthétiseur qui apporte un décor, un soubassement, des nuances, mais aussi un enrichissement sonore, sans compter quelques surprises et provocations. Ce qui fait que ces trois pièces, jouées live, apparaissent comme une sorte de "suite" pour piano et orchestre. S’il y a parfois un côté un peu grandiloquent (je n’irai pas jusqu’à dire pompier) dans le traitement musical, il y a néanmoins une réelle couleur et une vraie complémentarité entre les deux musiciens.

Je signalerai brièvement, également "hors sujet", d’autres réalisations récentes de ce très beau label français, Improvising Beings, notamment un double duo entre Sonny Simmons (saxo-alto et cor anglais) et, d’une part Delphine Latil (harpe), d’autre part Thomas Bellier (guitare électrique) Des musiques méditatives, réfléchies, superbement colorées, qui prennent leur temps et se meuvent dans l’espace.

Je ne voudrais pas manquer non plus d’attirer l’attention sur deux disques en solo : "St. James Infirmary" du contrebassiste Benjamin Duboc (sur lequel je reviendrai prochainement)...

Enfin, on retrouve avec grand plaisir le piano "monkien", retenu, introspectif, bluesy de François Tusques (cf. Culturejazz - François Tusques, 15/10/2013). Il s’est entouré d’Alexandra Grimal et de Sylvain Guérineau et leurs ténors au jeu très différent qui, tout à tour ou ensemble, dialoguent avec ce pianiste qui sait si bien construire et mener les débats, comme il sait écouter et laisser chacun s’exprimer comme il l’entend.